Categoria: MMC
FRONTERA
MEET THE MUSIC CODE
Maria Sappho
14 marzo 2026 | 19.00
Teatrostudio LAC Lugano
Maria Sappho esegue brani tratti dal suo attuale progetto “Frontera”, un’esplorazione delle esperienze dei corpi ai confini, articolate attraverso la natività digitale, l’alienazione e l’attività all’interno di spazi reali e immaginari. In this performance, Sappho presents solo works for piano and electronics, including her own piano feedback-augmentation system Sapphnetics, a work by Colin Frank, and a Mariabrice Sapphocatherin realisation of Brice Catherin’s Chilli and Bonbon in Chililabombwe, performed through Sappho’s ZEMI ‘magic carpet’ interface.
Maria Sappho, compositrice e ricercatrice di New York, esplora pratiche ibride e tecnologie emergenti affrontando temi di diaspora e memoria culturale con prospettive femministe e postumane. Composer-in-Residence 2025 per il Bahué Duo, ha presentato opere in festival internazionali. Come interprete, ha collaborato con ensemble prestigiosi, tra cui Mogwai nel 2024. Con un dottorato IRiMaS, insegna al Royal Conservatoire of Scotland e ricerca all’Università di Huddersfield. Ha vinto premi come il BBC Radiophonic Daphne Oram Award.
Mariabrice Sapphocatherin nasce a New Yorkbrussels nel 199481. AttivƏ principalmente nell’improvvisazione come pianista e violoncellista. Si è esibitƏ a Huddersfield nel 2018. Ha collaborato a varie opere di musica contemporanea e performance artistiche di Émilie Girard Charest, Outi Condit e altri artisti. Ha inoltre collaborato a un progetto di arte visiva chiamato Edible Series. Mariabrice Sapphocatherin ha poi lavorato a un brano non destinato a nessun interprete specifico che suoni uno strumento specifico, intitolato Watching Paint Dry, oltre che a una serie di nuove performance artistiche per Laurent Estoppey, per se stessƏ e per vari altri artisti.
Brice Catherin è un artista e Dottore in composizione musicale (Università di Hull), attualmente lavora presso l’Università di Cork. Ha 18 anni di esperienza come musicista indipendente, artista inter-media e performer, e 7 anni di esperienza come ricercatore artistico. Il suo approccio trasversale e internazionale alle pratiche artistiche lo ha portato a collaborare con artisti di tutto il mondo. Sviluppa inoltre progetti artistici e progetti condivisi con non artisti provenienti dalla Global Majority e da popolazioni sottorappresentate e/o minoritarie in Europa e Africa meridionale. Da maggio 2024, Brice Catherin è artista affiliato alla cattedra UNESCO sull’integrazione dei rifugiati attraverso l’istruzione, la lingua e le arti dell’Università di Glasgow.
Were you there at the beginning
MEET THE MUSIC CODE
/nu/thing – Andrea Agostini, Daniele Ghisi, Eric Maestri and Andrea Sarto
14 marzo 2026 | 17.00
Teatrostudio LAC Lugano
Originariamente concepito per un’esperienza immersiva di suono e luce, “Were You There at the Beginning” è il viaggio di una voce. In un viaggio di 30 minuti, si dipana una narrazione astratta: da luoghi familiari a paesaggi sonori elettronici remoti, da esperienze contemplative del tempo al tessuto di suoni che si strappano e si frantumano, in una confluenza di gesti sinfonici e forme acusmatiche. Il brano è dedicato alla memoria di Carlo Ciceri.
Il collettivo /nu/thing riunisce attualmente quattro compositori italiani: Andrea Agostini, Daniele Ghisi, Eric Maestri e Andrea Sarto. Riunitosi inizialmente intorno al blog www.nuthing.eu, il collettivo ha poi iniziato a creare opere collettive, mettendo in discussione la nozione di autore e i metodi di scrittura musicale. Nel 2017 /nu/thing ha presentato il primo lavoro, “I mille fuochi dell’universo”, per ensemble ed elettronica, pensato per il grande Hangar Pirelli (Milano). Il secondo lavoro, “Were you there at the beginning”, un viaggio attraverso il suono e la luce in collaborazione con lo studio ExperiensS, è stato presentato in anteprima nel 2022 per la riapertura dell’“Espace de Projection” dell’Ircam.
/nu/thing: musica e design informatico-musicale
A Mondes Nouveaux Produc:on, programma gestito dal Ministero della Cultura francese nell’ambito del Piano di Recupero, in collaborazione con l’IRCAM-Centre Pompidou (versione lunga) Coproduc:on : IRCAM-Centre Pompidou
Interstices-2.0
MEET THE MUSIC CODE
Volker Böhm
15 marzo 2026 | 19.00
Teatrostudio LAC Lugano
Interstices-2.0 è l’attuale revisione del sistema di performance del sound artist Volker Böhm, costituito da un mix di segnali digitali e analogici assemblati in un sintetizzatore modulare a rack. In questo set l’artista fa ampio uso di segnali di feedback per esplorare il suono e il ritmo in diversi modi. Suonare su questo strumento è un po’ come cercare gli interstizi, quelle nicchie segrete che si aprono solo dopo aver raggiunto una specifica costellazione di cose e stati; dove presente e passato sono ugualmente importanti, e dove improvvisamente una nuova dimensione emerge, si stabilizza, ha un carattere proprio, forte e chiaro e tagliente…
Errant it is.
La neuroinformatica conosce modelli che descrivono il comportamento delle cosiddette cellule nervose “spiking”. Questi modelli possono essere intesi come circuiti risonanti che possono essere stimolati a oscillare da influenze esterne e attraverso il feedback. Se tale attività neuronale modellizzata viene interpretata come segnali audio, è possibile generare un ampio spettro di suoni, che vanno dai singoli impulsi ai ritmi complessi e alle trame granulari. Il titolo si riferisce al fatto che non solo l’implementazione esatta di un algoritmo, ma anche anche le sue deviazioni consapevoli (o inconsapevoli, errate) possono portare a eventi sonori inaspettatamente emozionanti. Allo stesso tempo, il titolo si riferisce anche alla difficoltà di mantenere un controllo preciso sui risultati sonori quando si utilizzano sistemi di feedback: lo spazio risultante corrisponde a un labirinto infinito di cui non esiste una mappa e in cui è necessario ricercare continuamente i percorsi trovati in precedenza.
Volker Böhm, nato nel 1971 a Friburgo (Germania), vive e lavora come musicista, sound designer e programmatore a Basilea. Oltre all’attività didattica presso l’Electronic Studio della Hochschule für Musik di Basel, realizza progetti artistici, musicali e multimediali nei campi della nuova musica, del teatro, dell’installazione (sonora) e dell’improvvisazione elettroacustica.
MEET MUSIC STAGE
Il Festival MMC prepara lo stage per gli artisti digitali del futuro. Su questo MEET MUSIC STAGE si esibiranno alcuni studenti di composizione del Conservatorio della Svizzera italiana insieme a studenti del Dipartimento Ambiente Costruzioni e Design della SUPSI. Alcune anime creative della SUPSI insieme per un concerto multimediale tra musica elettronica, computer music, arti visive, interazione, sperimentazione.
Risonanze Temporali
Il termine risonanza, oltre a sottolineare l’aspetto tecnico-musicale dell’amplificazione di una specifica frequenza, in senso figurato riprende la sua etimologia latina di eco, evocando l’idea di una propagazione dopo di un lasso di tempo. La performance A/V si prefigge di far risuonare, a distanza di un secolo, cortometraggi muti d’avanguardia, fornendo loro voce, al fine di poter comunicare al meglio con il presente (Filmstudie – 1926 di Hans Richter e Mechanical Principles – 1930 di Ralph Steiner).
Musica: Federico Pezzatini
Visual Artists: Arianna Chiodo, Mirko Bassani
Rovine al crepuscolo
Quest’opera multimediale unisce danza, musica acusmatica e video-reactive per esplorare la rinascita in un mondo devastato. Due danzatori si muovono in un paesaggio sonoro e visivo evocativo, tra suoni manipolati e proiezioni dinamiche che reagiscono in tempo reale. La performance intreccia distruzione e speranza, riflettendo sulla resilienza umana e la fragile bellezza della rigenerazione.
Musica: Giulio Cattaneo
Danzatori: Rafael Planells, TBA
Video: Simone Scardovi, Melissa Broggini, Elia Jacop
Crystallize
Le strutture rigide ed estremamente simmetriche dei cristalli di sale plasmano e muovono il materiale audio, costituendo una partitura visiva dell’opera Crystallize (pixel sonification on fixed video). La rappresentazione della materia grezza in diverse forme mantiene le simmetrie originali e le reinterpreta, distorcendo e deformando il loro rapporto con lo spazio.
Musica: Davide Broggini
Video: Christian Sommaiuolo, Leonardo Mariucci
FRACTURES AND DRIFT SHADOW – THE SHADOW OF ONE
Alexander Harker e Niamh Dell
16 marzo 2025 | 18.30
Conservatorio, Lugano
Due opere del compositore Alexander Harker. In FRACTURES il materiale è stato “eseguito” in studio attraverso l’uso di controller hardware e processi guidati dall’analisi audio, mentre la manipolazione dei suoni è stata effettuata con un software scritto ad hoc per il controllo gestuale esplicito in combinazione con processi pseudocasuali parametrizzati. In DRIFT SHADOW l’oboe di Niamh Dell evoca un mondo di fragili tessiture, timbri complessi e rumore. L’esecutore dal vivo è continuamente ombreggiato dall’elettronica, che cerca di seguire i suoi movimenti attraverso una serie di aree aperte all’esplorazione, alternando momenti fugaci con dense masse di suono.
ll lavoro compositivo di Alexander Harker (1983) esplora tecniche e timbri strumentali, approcci aperti alla forma, la fusione di fonti elettroniche e acustiche, e la creazione in stretta collaborazione con gli esecutori. La sua musica è stata eseguita nel Regno Unito, Francia, Danimarca, Svizzera, Stati Uniti e Corea del Sud. Tra i progetti recenti: Drift Shadow per Niamh Dell (oboe ed elettronica), Fluence per Jonathan Sage (clarinetto ed elettronica) e The Kinetics of Resonance per Dimitrios Tasoudis (batteria solista). Le collaborazioni attuali includono lavori con l’ELISION ensemble e il TAK ensemble. Come programmatore, lavora come sviluppatore per Surreal Machines (https://www.surrealmachines.com), come uno dei manutentori del progetto iPlug2 (https://github.com/iPlug2/iPlug2) e ha lavorato con Ableton come sviluppatore del pacchetto Max for Live Convolution Reverb. È docente senior presso l’Università di Huddersfield, dove ricerca e insegna composizione, creative coding e produzione. All’interno dell’Università, è direttore del CeReNeM (Centre for Research in New Music) e leader del Creative Coding Lab.
Emilio Guim
16 marzo 2025 | 19.00
Conservatorio, Lugano
Shadow of One è un concerto di teatro musicale per solista dal vivo del compositore Emilio Guim che coinvolge la performance, l’audio-visivo e lo strumentale. Il programma prevede quattro nuove creazioni dei compositori: Michael Beil (Germania), Cathy van Eck (Paesi Bassi/Svizzera), Pierre Jodlowski (Polonia/Francia). Lo spettacolo esplora i limiti e i confini della musica contemporanea e la relazione di un solo performer con il palcoscenico.
Emilio Guim (1981). “Ricordo che negli anni ’80 avevo il dito pronto a premere play su un registratore a nastro mentre aspettavo che la radio trasmettesse una canzone da me richiesta. Ricordo anche di essere stato spesso nei negozi di dischi a sfogliare riviste musicali e a cercare lezioni di chitarra. Da adolescente suonavo nei bar fino a tarda ora per guadagnare qualche soldo, anche se non avevo l’età per comprare da bere. Da adulto ho colmato le lacune della mia formazione studiando in diverse scuole di musica. Sento di dovere la maggior parte della mia crescita artistica a un processo di apprendimento autonomo. Il mio lavoro è per lo più informato e guidato da quel bambino seduto accanto alla radio, da quell’adolescente che si esercita in un garage con i suoi amici e da quell’adulto che osserva e impara dai risultati dei suoi colleghi.”
MORPH
Morph è una performance live audiovisiva per knurl (un violoncello ibrido), batteria acustica ed elettronica. L’opera nasce dalla collaborazione tra Rafaele Andrade (knurl) e Timo Hoogland (batteria/elettronica). Nella performance Andrade e Hoogland creano varie tessiture sonore collegando i loro strumenti attraverso un software programmato ad hoc. Durante lo spettacolo i due musicisti-programmatori esplorano il modo in cui i loro strumenti possono estendersi al di là dei suoni acustici, contemporaneamente trasformandosi e controllando i suoni degli altri.
Rafaele Andrade (Curitiba – Brasile, 1994) è una compositore, costruttrice di strumenti e violoncellista attualmente residente nei Paesi Bassi. Con un background diversificato che spazia dalla composizione alla direzione d’orchestra, dalla sonologia al creative coding, il percorso artistico di Rafaele è una fusione di innovazione ed esplorazione. La passione per la composizione e la performance l’ha portata a sviluppare un proprio strumento a corde, il Knurl, con il quale si è esibita in sedi prestigiose in America Latina e in Europa (Brasile, Islanda, Paesi Bassi, Germania, Francia, Ungheria, Paraguay, Argentina, Spagna, Estonia).
Timo Hoogland è un digital artist, live coder, esperto di tecnologia musicale ed insegnante olandese. Si occupa di live coding e di musica elettronica, creando composizioni e installazioni audiovisive algoritmiche. Timo si è laureato presso il Master of Music della HKU University of the Arts Utrecht nel 2019, dove ha sviluppato lo strumento di livecoding Mercury. Organizza meetup, workshop e algoraves come parte del Netherlands Coding Live. Insegna coding creativo e sound design presso la facoltà di Music Technology della HKU
MORPH
Rafaele Andrade, violoncello
Timo Hoogland, digital artist
15 marzo 2025 | 19.30
DACD-SUPSI, Mendrisio
Timo Hoogland, digital artist
Morph è una performance live audiovisiva per knurl (un violoncello ibrido), batteria acustica ed elettronica. L’opera fa parte di una ricerca e di una collaborazione in corso tra Rafaele Andrade (knurl) e Timo Hoogland (batteria/elettronica). Nella performance Andrade e Hoogland creano varie tessiture sonore collegando i loro strumenti tra loro attraverso un software programmato ad hoc. Durante lo spettacolo i due musicisti e programmatori esplorano il modo in cui i loro strumenti possono estendersi al di là dei propri suoni strumentali e lentamente si trasformano insieme controllando i suoni degli altri.
Rafaele Andrade [Curitiba – Brasile, 1994] è una compositrice, costruttrice di strumenti e violoncellista attualmente residente nei Paesi Bassi. Con un background diversificato che spazia dalla composizione alla direzione d’orchestra, dalla sonologia al creative coding, il percorso artistico di Rafaele è una fusione di innovazione ed esplorazione. La passione per la composizione e la performance l’ha portata a sviluppare un proprio strumento a corde, il Knurl, con il quale si è esibita in sedi prestigiose in America Latina e in Europa (Brasile, Islanda, Paesi Bassi, Germania, Francia, Ungheria, Paraguay, Argentina, Spagna, Estonia).
Timo Hoogland è un digital artist, live coder, esperto di tecnologia musicale ed insegnante olandese. Si occupa di live coding e di musica elettronica, creando composizioni e installazioni audiovisive algoritmiche. Timo si è laureato presso il Master of Music della HKU University of the Arts Utrecht nel 2019, dove ha sviluppato lo strumento di livecoding Mercury. Organizza meetup, workshop e algoraves come parte del Netherlands Coding Live. Insegna coding creativo e sound design presso la facoltà di Music Technology della HKU.
TADEJ DROLJC AV PERFORMANCE
Tadej Droljc, performer
14 marzo 2025 | 19.00
Teatro Studio LAC Lugano
Il creative coder sloveno presenta tre lavori: Capillaries Capillaries, Singing Sand e una versione solo suono e immagini di Beambreaker part 1. Questi lavori esplorano l’idea dell’audio-visual gestalt – un oggetto audiovisivo basato su un livello di percezione.
Tadej ha esplorato ampiamente questa idea durante il suo PhD all’Università di Huddersfield (UK) e successivamente con i lavori Synspecies, Beambreaker e Dinner with a Hyperobject, dove il componente visivo si estende allo spazio d’ascolto con luci e laser.
Tadej Droljc (1981) è un artista e creative coder sloveno che lavora all’intersezione tra suono, immagine e luce. Per il suo lavoro, Tadej ha ricevuto il Lumen Prize Student Award, la borsa di studio Dennis Smalley in musica elettroacustica e ha vinto il premio come Video Artist più promettente al Madatac. La sua ricerca di dottorato basata sulla pratica è stata premiata con il Vice Chancellor’s Award per una tesi eccezionale al Center for Research in New Music. Il suo lavoro Synspecies ha vinto il premio Edigma Semibreve ed è stato selezionato per il Lumen Prize nella categoria moving image. Tadej si è esibito e ha esposto in festival come Mutek, Sonar, Ars Electronica, Deep Space Shanghai, Biennale di Parigi NEMO, L.E.V., Brighton Digital Festival, Semibreve, Sonica Glasgow, Lunchmeat, Node, Shibuya Tokio, ecc. Nell’ambito della collaborazione con il Future Lab di Ars Electronica per il progetto Immersify, il suo lavoro è stato presentato anche in occasione di eventi come Inter BEE Tokyo, IBC Amsterdam o Marché du Film – Festival di Cannes. La sua opera Singing Sand è esposta in permanenza al Deep Space 8K di Ars Electronica in formato stereoscopico 3D.
HANS TUTSCHKU
2 marzo 2024 | 20.30
DACD-SUPSI, Mendrisio
Il programma presenta opere elettroacustiche provenienti da diversi periodi della mia esplorazione con suoni multicanale e delle loro relazioni con l’avvolgimento, la densità, la poetica e l’evoluzione drammatica. Due parti del mio ciclo Remembering Japan presentano un viaggio sonoro in questa affascinante cultura di contrasti. Klaviersammlung adotta un approccio strumentale, utilizzando esclusivamente registrazioni di pianoforti in rovina per creare un approccio diverso ai gesti del pianoforte. Agitated slowness è una delle mie composizioni su larga scala che tratta di lentezza e atemporalità. Una spirale rotante di strati altamente polifonici ci circonda e invita l’ascoltatore in uno stato sospeso di percezione sonora. Il programma si concluderà con un live set, in cui creerò texture sonore molto complesse con il sintetizzatore VCV Rack. Concepito come un arco di apparizione e dissoluzione di voci, questo concetto di improvvisazione viene adattato ad ogni spazio performativo in modo nuovo.
Hans Tutschku è un compositore di musica strumentale ed elettroacustica. Nel 1982 è entrato a far parte dell'”Ensemble for intuitive music Weimar” e successivamente ha studiato teatro e composizione a Berlino, Dresda, L’Aia, Parigi e Birmingham. Ha collaborato a produzioni cinematografiche, teatrali e di danza e ha partecipato a cicli di concerti con Karlheinz Stockhausen.
Dal 2004 dirige lo studio di elettroacustica dell’Università di Harvard. L’improvvisazione unita all’elettronica è stata al centro delle sue attività negli ultimi 35 anni. È vincitore di numerosi concorsi internazionali, tra cui: Hanns Eisler Preis, Bourges, CIMESP Sao Paulo, Prix Ars Electronica, Prix Noroit, Prix Musica Nova, ZKM Giga-Hertz, CIME ICEM e Klang! Nel 2005 ha ricevuto il premio della cultura della città di Weimar.
Oltre ai suoi corsi regolari all’università, ha tenuto workshop internazionali per musicisti e non musicisti su aspetti dell’apprezzamento dell’arte, dell’ascolto, della creatività, della composizione, dell’improvvisazione, della live-electronics e della spazializzazione del suono in più di 20 paesi.